Manual Musical › Charango

Historia de la música por etapas

De la Antigüedad al jazz y el rock: ocho etapas con sus rasgos, instrumentos, compositores y obras para escuchar, cada una con su ilustración.

Ocho etapas, de las primeras flautas a la música de hoy: qué cambió en cada una, con qué instrumentos sonaba, quiénes la hicieron, qué escuchar y dónde probarlo en Manual Musical.

Orígenes y Antigüedad (hasta el siglo V)

El sonido se vuelve número. La lira griega y las proporciones de Pitágoras: la mitad de la cuerda da la octava; dos tercios, la quinta; tres cuartos, la cuarta.

La música es más antigua que la escritura. En cuevas del sur de Alemania se encontraron flautas talladas en hueso y marfil que tienen unos 40.000 años, y en Mesopotamia y Egipto las arpas, las liras, las flautas y los tambores acompañaban los ritos, el trabajo y la danza. De Ugarit, en la actual Siria, viene la melodía escrita más antigua que se conoce: un himno grabado en una tablilla hacia el 1400 a. C.

En Grecia la música iba unida a la poesía, el teatro y la danza, y se pensaba que formaba el carácter. A la escuela de Pitágoras se le atribuye el descubrimiento de que los intervalos más consonantes responden a proporciones simples entre longitudes de cuerda. Los griegos ordenaron los sonidos en escalas que llamaron «harmonías» y les dieron nombres de pueblos (dórica, frigia, lidia) que la Edad Media heredó para sus modos, aunque ya no designan las mismas escalas.

Casi toda era música de una sola línea melódica, cantada o tocada al unísono o a la octava. Roma adoptó la música griega y sumó los instrumentos de metal a sus ejércitos y espectáculos.

Claves

Instrumentos

Flautas de hueso, Arpa, Lira, Cítara, Aulos, Flauta de Pan, Órgano hidráulico, Tuba y cornu romanos.

Quiénes

Para escuchar

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Edad Media (siglos V a XV)

La música aprende a escribirse. Notación cuadrada sobre el tetragrama. Del himno «Ut queant laxis» salieron los nombres de las notas.

Durante siglos la música que se escribió y se conservó fue la de la Iglesia: el canto llano, llamado gregoriano por el papa Gregorio I. Es una sola melodía cantada en latín, sin acompañamiento y sin compás, que sigue el ritmo de las palabras y se mueve dentro de ocho modos.

Para no depender de la memoria, los monjes empezaron a anotar signos (neumas) sobre el texto. Hacia el año 1000, Guido d'Arezzo los ordenó sobre líneas, con lo que cada altura quedó fijada, y sacó de un himno a san Juan las sílabas ut, re, mi, fa, sol y la para enseñar a cantar. Siglos más tarde se agregó el si y el ut pasó a llamarse do.

Con la escritura llegó la gran novedad de Occidente: la polifonía. Primero una segunda voz en paralelo (el órganum del siglo IX), después voces independientes en la escuela de Notre Dame de París y, en el siglo XIV, el Ars Nova, que anotó los ritmos con precisión. Fuera de la iglesia, trovadores y juglares cantaban al amor y a las hazañas en las lenguas de cada región.

Claves

Instrumentos

Voz, Órgano, Arpa, Laúd, Fídula, Zanfona, Flauta, Chirimía, Pandero.

Quiénes

Para escuchar

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Renacimiento (siglos XV y XVI)

Muchas voces, todas iguales. El laúd, instrumento de la época, y la imitación: cada voz entra con el mismo motivo que la anterior.

El humanismo puso al hombre y a la palabra en el centro, y la música buscó ser clara y expresar el texto. Es la edad de oro de la polifonía vocal: cuatro, cinco o seis voces de la misma importancia que se imitan unas a otras, casi siempre sin instrumentos.

Las terceras y las sextas, que la Edad Media evitaba, se vuelven el sonido normal, y la disonancia se controla con reglas precisas: notas de paso y retardos que se preparan y se resuelven. Al sumar voces aparece una manera nueva de pensar, la del acorde: en 1558 Gioseffo Zarlino describe la tríada mayor y la menor como base de la armonía.

En 1501 Ottaviano Petrucci imprime en Venecia el primer libro de polifonía con tipos móviles, y la música empieza a circular por toda Europa. Crece también la música para instrumentos: danzas, fantasías y variaciones para laúd, vihuela, teclado y conjuntos de violas, muchas veces escritas en tablatura.

Claves

Instrumentos

Laúd, Vihuela, Viola da gamba, Flauta dulce, Sacabuche, Órgano, Clavicordio, Virginal.

Quiénes

Para escuchar

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Barroco (1600 a 1750)

El bajo manda y nace la tonalidad. El violín, que llega a su forma definitiva en Cremona, y el bajo cifrado: las cifras le dicen al acompañante qué acorde tocar.

Hacia 1600 un grupo de músicos italianos quiso que el texto se entendiera y conmoviera, y reemplazó el tejido de voces por una melodía cantada sobre un acompañamiento. De ahí nacen la ópera («L'Orfeo» de Monteverdi es de 1607) y el bajo continuo: un bajo escrito, con cifras, sobre el que el clave, el órgano o el laúd improvisan los acordes.

Con el bajo como guía, la música pasa a pensarse en acordes que se encadenan con una dirección. Los modos antiguos se reducen a dos, mayor y menor, y nace la tonalidad. En 1722 Rameau explica en su tratado que todo acorde tiene una fundamental y que sus inversiones son el mismo acorde; ese mismo año Bach termina el primer libro de «El clave bien temperado», con preludios y fugas en las veinticuatro tonalidades.

Es una música de contrastes y de movimiento continuo, llena de adornos. Los instrumentos ganan protagonismo: el violín alcanza su forma definitiva con los luthiers de Cremona, nacen la orquesta, el concierto y la suite, y la fuga lleva el contrapunto a su punto más alto. En América, las catedrales y las misiones jesuíticas cultivaron su propio barroco.

Claves

Instrumentos

Violín, Clave, Órgano, Viola da gamba, Violonchelo, Tiorba, Oboe, Fagot, Trompeta natural.

Quiénes

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Clasicismo (1750 a 1820)

Claridad, equilibrio y forma. El equilibrio de un templo clásico y el plan de la forma sonata: exposición, desarrollo y reexposición.

En el siglo de la Ilustración se busca una música clara y natural, que cualquiera pueda seguir. El tejido de voces del Barroco deja paso a una melodía cantable con un acompañamiento sencillo, organizada en frases regulares de cuatro y ocho compases que se responden como pregunta y respuesta.

La armonía usa pocos acordes y los usa para construir: la tónica, la subdominante y la dominante marcan el camino, y la modulación ordena las obras largas. Ese es el secreto de la forma sonata: presentar dos temas en dos tonalidades (exposición), ponerlos en conflicto (desarrollo) y devolverlos a la tónica (reexposición). Con ella se arman la sinfonía, el cuarteto de cuerdas, el concierto y la sonata.

El piano, que permite tocar fuerte o suave según la presión de los dedos, reemplaza al clave, y el bajo continuo desaparece. La orquesta se fija en cuerdas, maderas, trompas, trompetas y timbales. Viena es el centro, y los músicos empiezan a vivir de los conciertos públicos y de la edición.

Claves

Instrumentos

Piano (fortepiano), Cuarteto de cuerdas, Clarinete, Trompa, Orquesta clásica.

Quiénes

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Romanticismo (siglo XIX)

La música dice lo que las palabras no pueden. El piano de cola, el instrumento del siglo, y el regulador: del pianísimo al fortísimo.

El músico romántico ya no trabaja para una corte: es un artista que expresa su mundo interior. La emoción, la naturaleza, la noche, las leyendas y la literatura entran en la música, y la forma se vuelve más libre para seguir a la expresión.

La armonía se llena de color: acordes alterados, cromatismo, modulaciones a tonalidades lejanas y cadencias que se demoran. En «Tristán e Isolda», de Wagner (1865), la tensión casi nunca se resuelve y la tonalidad queda al borde de disolverse. Los matices van del susurro al estruendo y la orquesta crece hasta necesitar un director.

El piano, ya con marco de hierro, es el instrumento del siglo: para él nacen el nocturno, el preludio, el estudio y la mazurca. La canción con piano (el lied), el poema sinfónico y la ópera cuentan historias. Cada país busca su propia voz en su música popular, y en España Antonio de Torres le da a la guitarra la forma que conserva hasta hoy.

Claves

Instrumentos

Piano de cola, Guitarra moderna, Arpa, Tuba, Gran orquesta sinfónica.

Quiénes

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Siglo XX: impresionismo y vanguardias (desde 1890)

Se rompen las reglas y se inventan otras. Las doce notas en círculo: una serie dodecafónica (línea llena) y la escala de tonos enteros (punteada). A la derecha, la onda del sonido electrónico, los acentos irregulares y la cinta magnética.

Hacia 1890 la tonalidad está agotada de tanto estirarla, y cada compositor busca su salida. Debussy deja de encadenar los acordes por su función y los usa por su color: modos antiguos, escala de tonos enteros, pentatónicas y acordes que se mueven en paralelo.

Schönberg da el paso siguiente: hacia 1908 escribe música sin tónica (atonal) y a comienzos de los años veinte propone ordenar las doce notas en una serie, sin que ninguna pese más que otra. Stravinski sacude el ritmo en «La consagración de la primavera» (1913), con acentos que caen donde no se los espera y compases que cambian todo el tiempo, y Bartók mezcla el folclore del este de Europa con una armonía propia.

Después de 1945 el campo se abre del todo: serialismo, música hecha con sonidos grabados o generados por máquinas, obras donde interviene el azar y, desde los años sesenta, el minimalismo, que vuelve al pulso y a la repetición. En América, Villa-Lobos, Revueltas y Ginastera unen esas búsquedas con la música de sus pueblos.

Claves

Instrumentos

Percusión ampliada, Piano preparado, Ondas Martenot, Cinta magnética, Sintetizador, Computadora.

Quiénes

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La música se graba y da la vuelta al mundo. El disco, la guitarra eléctrica y las notas de blues: la tercera, la quinta y la séptima rebajadas.

El fonógrafo (1877), la radio y el disco cambian las reglas: por primera vez una interpretación se puede guardar y repetir, y la música popular de un lugar llega a todo el planeta.

A fines del siglo XIX, en el sur de Estados Unidos, la comunidad afroamericana crea el blues: doce compases, tres acordes y unas notas rebajadas que lo vuelven inconfundible. De su cruce con las bandas y el ragtime nace en Nueva Orleans el jazz, música de improvisación y de swing que en los años cuarenta, con el bebop, lleva la armonía a una riqueza nueva: acordes de séptima con tensiones, progresiones II–V–I y sustituciones.

En los años cincuenta el rock and roll pone la guitarra eléctrica y el bajo eléctrico al frente; después vienen el soul, el funk, el reggae, el metal, el hip hop y la música electrónica, con el sintetizador y la computadora como instrumentos. En América Latina el tango, la samba, el son, la bossa nova, la cumbia y el folclore de cada región siguen su propio camino y se mezclan con todo lo demás. Casi toda esta música vuelve a apoyarse en la tonalidad y en los modos: lo que muestra Manual Musical.

Claves

Instrumentos

Guitarra eléctrica, Bajo eléctrico, Batería, Saxofón, Trompeta, Bandoneón, Sintetizador, Tocadiscos y sampler.

Quiénes

Para escuchar

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Las fechas de cada etapa son orientativas: los estilos conviven y cambian de a poco, y no en todos los lugares al mismo tiempo.

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